Programme

L’expérimentation est le maître mot de cette installation réservée aux tout-petits (0 à 3 ans). Le postulat est simple: « Jouer sans compétition, basé sur sa propre interprétation, guide les enfants vers leur propre  exploration et donc vers une meilleure compréhension de leur personnalité ». Et à voir les petits loups s’engouffrer à tout-va dans cet espace de création et d’expression libre, plus de doute possible! Ici, tout le monde s’implique, chacun se sent en harmonie comme dans un « petit rêve » pour essayer, (dé)construire, jouer, créer, toucher… Les bouts de chou et leurs parents déambulent ou s’essaient à différentes installations, formes, textures… en bois naturel ou peintes avec des matériaux écologiques. Chez « Petits rêves », tout s’ouvre sur le dialogue et le partage. Dialogue avec l’autre et avec son environnement pour partir dans un voyage de sensations à travers la matière. Partage d’expériences pour éveiller son imaginaire. À l’air libre ou à l’ombre des grands tissus blancs, il est temps de s’essayer à toutes ces belles structures pour rêver encore et encore!

Du mercredi au samedi de 17h00 à 20h30
Le dimanche de 17h à 20h

Bienvenue dans l’univers extraordinaire d’Orkestrònia, une installation interactive composée d’instruments de musique créatifs. Au menu, un voyage sur un terrain de jeu d’environ 150 m2 en de plain-pied, à travers différentes structures sonores, une balade pleine de surprises adaptée aux plus de huit ans et aux adultes. Composée de 14 pièces, vous pourrez interagir avec les instruments par groupe de deux personnes (avec un casque chacun) ou de manière individuelle. Chaque structure sonore dispose également d’un micro, ainsi le son traversera directement vos oreilles, en générant des sons et une atmosphère particulière. S’ouvre alors un réel dialogue sonore, fait d’effets et d’expérimentations, entre les instruments et vous. Attention, détrompez-vous, il n’est pas nécessaire d’avoir des notions de musique ou de savoir utiliser un instrument pour y prendre part! L’idée est de naviguer entre les structures et de laisser libre cours à son imagination pour embarquer dans un voyage sonore intime et personnel, tout en se laissant guider par la musique et ses ressentis. Une expérience insolite!

Du mercredi au samedi de 17h00 à 20h30
Le dimanche de 17h à 20h

Vous connaissez sans doute les sculptures monumentales de Joana Vasconcelos, ces fameuses Walkyries visibles au Château de Versailles (elle a été la première artiste-femme invitée à y exposer en 2012), au musée Guggenheim de Bilbao (2018) ou lors de la Biennale de Venise 2005 qui l’a révélée. Ses travaux associent art (installations, vidéo, textile, dessin) et artisanat, ironie et humour, tout en jetant un pont entre les sphères de l’espace public et du domaine privé, voire de l’intime. Ses créations associent les objets du quotidien et les savoir-faire (broderie, céramique, ferronnerie). Féministe et engagée, l’œuvre de Joana Vasconcelos ne cesse de questionner le statut de la femme, notre identité collective ou notre société de consommation, au travers de symboles forts. L’affiche du Rio Loco 2022 a été réalisée d’après son œuvre pétillante Meu Amor Inventado composée de clins d’œil à la culture portugaise: la grappe de raisin chère à la viticulture du pays, l’art ancestral du filigrane en joaillerie ou le Coração De Viana, symbole de fraternité et d’amour universel. Ce visuel est à l’image de son art: en éternel mouvement, coloré comme la vie, fleuri comme l’espoir.

La street artiste portugaise Aheneah, Ana Martins de son vrai nom, n’en finit pas de faire parler d’elle. On retrouve son travail dans tout le Portugal, en Espagne, au Royaume-Uni ou en France. Munie de vis et de fil, Aheneah crée de larges œuvres murales à base de… point de croix! Son art, aussi original que stupéfiant ou engagé, s’appuie sur d’amples connaissances en design graphique comme sur les précieux enseignements de sa grand-mère en termes de broderie. Aheneah défie ainsi, avec poésie et savoir-faire, les codes traditionnels du street art pour le sortir de l’habituel combo « mur + bombes de peinture ». Elle déconstruit, décontextualise et transforme une technique traditionnelle en un graphisme moderne pour connecter entre elles, cultures et générations. Son travail, aussi sublime dans le détail que dans le monumental, touche autant au pixel art qu’à la finesse d’une dentelle d’antan. Pour Rio Loco, Aheneah propose une œuvre collaborative et évolutive sur le thème de l’océan. Des plaques aux formes préétablies et au choix multiple de matières (fils, couleurs) seront ainsi chaque jour mises à disposition du public, pour constituer, dimanche soir, une œuvre complète.

L’artiste plasticien portugais Telmo Leal l’avoue : il aime avoir les mains dans la matière, construire ou démonter des objets, travailler du vieux bois, récupérer des pièces d’électroménager usagé… Dans son atelier, il y a toujours un reste de peinture, un outil ou un bout de ferraille qui traîne. Son travail ? Il est le fruit de sa curiosité. Ici, l’œuvre d’art n’est jamais un objectif à atteindre, elle arrive tout simplement. Pour Rio Loco, l’artiste lisboète a imaginé Liberdade, une œuvre collective en rapport direct avec l’histoire de son pays : la « Révolution des œillets ». La fleur d’œillet rouge est devenue le symbole du 25 avril 1974, jour de chute de la dictature et début de la démocratie. Des dizaines d’artistes en herbe ont ainsi réalisé des œillets en papier mâché avec des matériaux réutilisables (papiers journaux, carton). Chaque participant a été invité à écrire un mot à l’intérieur de son œillet : ce que lui inspire la liberté, car, comme la démocratie, cette dernière ne peut « se construire qu’avec la contribution de chacun ». Les visiteurs navigueront ainsi parmi cette « mer rouge » d’œillets et de mots cachés.

Quatre totems, huit faces. Et autant de portraits géants de figures – quatre femmes, quatre hommes – engagées dans la lutte des droits civiques, qui ont changé le cours de l’histoire, chacun(e) à leur manière. Derrière cette exposition en grand format érigée à ciel ouvert sur le Cours Dillon, se cache le projet toulousain United Souls, un hommage avant tout à la musique et au rôle majeur qu’elle joue depuis toujours dans les luttes pour l’émancipation des peuples opprimés. Blues, soul, jazz, hip-hop, afrobeat… sont incontestablement liés à la grande Histoire, s’inscrivent dans la culture comme dans le patrimoine mondial. L’exposition met ainsi en lumière deux lusophones: le chef anticolonialiste Amilcar Cabral (Guinée-Bissau) et la militante LGBT brésilienne Marielle Franco, tristement assassinée à Rio en 2018. Mais aussi des musicien(ne)s engagé(e)s comme Fela Kuti, Nina Simone et Oum Kalthoum. Elle rend hommage aux écrivain(e)s militant(e)s Maya Angelou et James Baldwin ou à l’historien révolutionnaire Cheikh Anta Diop. Cerise sur le totem, tous ces portraits sont des illustrations originales réalisées par de jeunes artistes de la région Occitanie. United Souls relève le défi de mettre en avant l’Art politique, dans sa diversité et sa richesse, en collaborant avec de talentueux artistes qui véhiculent un message. L’Art politique tel que nous le définissons ne suppose pas forcément une adhésion à une organisation politique. Il est le reflet de la vision concernée et réfléchie d’une société et de ses acteurs, et de leur implication dans le fait politique.